CYRANO

Hector Savinien de Cyrano de Bergerac (1619-1655) é um personagem fascinante história literária francesa. Tanto pelo que criou, como pelas lendas que o acompanham.

Escritor, visionário e poeta, mas também guerreiro e duelista. Teria duelado mais de mil vezes, muitas pelo deboche sobre sua aparência. É como se tratava o bullying antes dos cuidados necessários de hoje, alimentados por algumas frescuras e exageros. Cyrano era muito feio, com um nariz enorme e complexado por isso. Morreu cedo, mas não em duelo ou por causa disso. Morreu por consequências de um acidente, aos 36 anos.

O filme é uma aventura romântica. Trata da história escrita por Edmond Rostand, cujo tema central é a paixão desmedida de Cyrano pela prima Roxane, que o via como um irmão super protetor. E do poder das palavras na arte da sedução. Poesia, reflexões, frases espirituosas, por vezes exacerbadas, mas pontuais,, fazem parte da aula de conquista que Cyrano oferece ao seu rival, o abostado Christian, para que conquiste sua amada Roxane. Uma versão da história diz que Christian, o abostado, é o mesmo barão de Neuvillette, companheiro de batalha de Cyrano, que acaba desposando a bela Roxane.

Sua vida foi levada às telas algumas vezes, sendo incorporado por José Ferrer, Gérard Depardieu e Steve Martin, mas sempre acho que lhe falta justiça. Ferrer foi oscarizado em 1950, já Depardier só não foi em 1991, porque a concorrência com Jeremy Irons (Reverso da fortuna), De Niro (Tempo de despertar) e Costner (Dança com lobos), era pesada demais. Esse duelo foi perdido, mas continua digno de ser revisto. Quanto a versão com Steve Martin é uma paródia cômica. Trata de um Cyrano vivendo no século 20..

Ainda não assisti a nova versão que ficou pronta em 2021, com o ótimo Peter Dinklage, o baixinho de Game of Thrones. Aqui se invertem os complexos: sai o tamanho do nariz, entra o nanismo do protagonista. A crítica é boa, mas quem dá bola para ela?

𝐑𝐎𝐍𝐈𝐍

 

Estava precisando dar uma sacudida nos sensores, então fui buscar um filme de ação. Tropecei no velho e bom De NIro, que é garantia de, pelo menos, uma atuação de primeira.

"Ronin", um filme de 1998, cujo título remete a samurais desgarrados, e que de resto não muito tem a ver com o enredo, é um filme elétrico, de muita ação, tiro, porrada, bomba e aula de direção perigosa, mas com um roteiro muito bem encaixado e uma amarração justa nos finalmentes. Trata-se de alguns espiões aposentados ou em vias de, que não se conhecem e se reúnem, contratados por uma mulher para uma tarefa bem específica, que é a recuperação de uma maleta, cujo conteúdo... Bueno, pode ser que na próxima ver que assista eu descubra. A ambientação do filme sugere um revival da guerra fria, mas não é.

Além de De Niro, o elenco é bom, mas eu trocaria Natascha McElhone por Charlize Theron, Eva Green ou Demi Moore. E conta com um show de patinação da campeoníssima Katarina Witt , ao som de The Sleeping Beauty, de Tchaikovsky e The Rhapsody on a Theme of Paganini, de Rachmaninoff. Um luxo refinadíssimo no meio de tanta brutalidade. Essa é daquelas cenas que a gente "rebobina".

Uma frase marcante do filme: "se me permitem, vou desmaiar (De Niro tendo uma bala sendo extraído do corpo, sem anestesia)". Quer um filme de ação para o final de semana? Toma lá: Ronin.

E DEUS... CRIOU A MULHER

Tributo à deusa

Excerto do livro "Assim como era no princípio"

Os mais jovens talvez não saibam quem é Roger Vadim, dito assim: Rogê Vadã. Trata-se de alguém que lá, na idade da acne demonizada por suspeitas,  consumiu boa parte do meu desprezo. Fiz dele meu principal desafeto. E, numa época que sobrenomes de marca de vodca eram olhados de viés pelo mundo ocidental, fui descobrir que seu nome verdadeiro era Roger Vladimir Plemiannikov, embora cidadão francês. Taí: comedor de criancinha! Mas este fato pouco se me dava. Era apenas um agravante conveniente em função da Guerra Fria patrocinada pelo macarthismo americano, de quem a macacada terceiro-mundista, inclusive este símio, era fã.

Ocorre que entre as criancinhas circulava também Brigitte Bardot, entre outras. Que ódio! Então eu ficava olhando o cara que aparecia mais nos reclames do Sétimo Céu do que no cinema  e o que via? Um veículo desprovido de carroceria para carregar tanta areia, e a menos que fosse parente do Mário Pescoço não me ocorria o porquê do seu sucesso, justamente com as namoradas que eu escolhia a dedo nos álbuns de figurinhas de Hollywood. E para ser sincero e cru, verdade eu não escondo: escolhia a dedo e namorava com as mãos.

Brigitte Bardot era o sonho de consumo de dez, entre dez banheiros adolescentes. Não sei qual a melhor imagem que guardo dela, mas tem uma cena de  Et Dieu... Créa la  Femme, como diria o professor Cyrillo (E Deus criou a Mulher), de 1956, que é infernal. Para nós mortais de babador, a cena vem caminhando demoradamente até um lençol transparente estendido no varal, com a antevisão do nirvana. Depois, ela, que se deixa ver deitada de bruços, tomando sol assim como veio ao mundo, mostrando o quanto o Criador é criativo, tem bom gosto e é dos nossos. Aliás, a obra é Dele, certo, mas que a cena tem o dedo do anjo caído, ah, isso tem.

O filme foi rodado em Saint Tropez. BB é Juliette, dezoito aninhos, cheia de tesão, órfã, acolhida por um casal sem filhos e, claro, com um bando de pelinchos ao seu redor. Casa com o mais mixuruca deles (Jean-Louis Trintignant), mete umas guampinhas com outro (Georges Poujouly - o famoso “quem?”), e a galera aqui indo a loucura, só no chupa-ganso. O filme não é nada, não fossem as vertigens causadas pela protagonista.

Mas retornando à vaca fria, veio-me à cabeça a criatura que dirigiu o filme – o Rogê, de quem continuo com inveja - em função   de um clip onde se juntam duas das coisas mais belas que a terra me deu de presente: a música, C’est ma vie, com o Adammo se derramando em meu lugar, e ela, Brigitte Bardot. Mostra em slides toda beleza exuberante da moça até a fase atual, velha que em nada lembra o que foi, mas com uma energia fantástica no olhar, provando que continua ousada, que continua símbolo, agora na causa que abraçou: os irracionais em crise causada pelos mesmos predadores racionais que a encurralaram . Sabendo que ela defende uma causa tão nobre e desprendida me dá uma vontade enorme de latir. Cachorro não está em extinção, mas é o que está ao meu alcance.

NATALIA NIKOLAEVA ZACHARENKO

Natalie passou o metro de sua vida vivendo de tragédia em tragédia; entre depressões e ansiedades, coquetéis de álcool e barbitúricos e, ainda cedo, finou-se entre tudo isso.

Natalia Nikolaevna Zacharenko, o sobrenome de vodca não é por acaso. Era filha de ucranianos, fugidos para a a Rússia, por causa da guerra civil, de lá emigraram para Quebec, e finalmente para São Francisco, Califórnia, onde Natalie nasceu.

Teve uma passagem muito intensa e fugaz entre nós. Morreu jovem, mas deixou uma obra vasta, digna da diva que foi. Sua morte trágica e misteriosa, talvez possa ser explicada por alguma suposta biografia post mortem de Christopher Walken, amigo do atribulado casal Wagner/Wood, e que se encontrava no mar com eles no dia em que ela morreu. Vivo, ele se nega de falar a respeito. O laudo do xerife que atendeu ao caso só diz "afogamento e outros fatores indeterminados". Algumas citações biográficas estão disponíveis no livro "Natalie: A Memoir by Her Sister", escrito por sua irmã Lana Wood, também atriz .

Lana, foi Bond Girl, mas seu talento era plástico e se distribuía, em especial, do pescoço para baixo.

Revi outro dia "The Cracker Factory" (No limiar da loucura), de 1979. Não é o melhor filme dela, sequer chega a ser um bom filme, mas é quase autobiográfico. Depois revi "Os Prazeres de Penélope", uma comédia policial de 1966. Aqui dá para ver a grande versatilidade da musa. Este último eu recomendo.

Vivas às ucranianas! Salvem-nas das cavalgaduras cossacas.

FLASHDANCE

 

Maureen Marder poderia ter ficado rica com a sua história. Era uma operária na construção civil canadense que sonhava em ser bailarina, e a noite exibia seu talento inovador e exótico em casas noturnas. Maureen inovou a dança da cadeira, usando-a como coadjuvante no palco. meio que um estágio empírico do poledance, e um banho d'água. O sonho dela era institucionalizar o método.

Vendeu sua história por U$2.300 à Paramount, que produziu o romance/drama/comédia musical Flashdance, que marcou época, foi um dos filmes mais vistos dos anos 80, e inspirou artistas como Jennifer Lopes. Esta gostou da ideia e reproduziu clipes inspirado nela. Marder tentou encontrar direitos nessa nova produção, que rendeu algo em torno de U$150 milhões ao novo consórcio, mas não levou.

O filme traz hits clássicos dos anos 80, como o tema fogoso "Flashdance - What A Feeling", da Irene Cara, música que enfeita a história do romance Nonato, que um dia estará nas bancas, e uma muito especial chamada "Lady, lady, lady", do Joe Esposito, que é uma leitura chique de mesmo apelo choroso, do Odair José. .

E se tu, gatinha dos anos 80, não sabe de onde vem a moda do moletom com gola rasgada caindo nos ombros, combinado com polainas de lã, a criadora é a determinada Alex (Jennifer Beals), protagonista, que ao colocar a blusa em uma máquina de lavar e a peça ter encolhido, ela não se constrangeu: passou a tesoura.

É um filme levinho, quase adolescente, com música boa e uma bela mensagem.

CHOREI POR VOCÊ

 

Joe E. Lewis foi cantor e comediante americano, segundo Sinatra, um dos melhores artistas do seu tempo.

Anos 20, época da Lei seca e Joe trabalhava para uma boate de Chicago patrocinada por nada mais nada menos que Al Capone e dirigida por um dos seus capangas, o senhor Jack McGurn, conhecido pelo apelido fofo de "Machine Gun Jack" (Jack metralhadora) . Ao se recusar em manter o contrato, e ir cantar em boate rival, Lewis foi punido. Punição adequada para a época bárbara: teve as cordas vocais cortadas, o que seria uma espécie de morte em vida para Lewis, que vivia da voz.

Sua história rendeu um livro, e foi mais tarde comprada por Sinatra que a transformou em filme independente, protagonizado pelo próprio Frank no papel de Joe, com a batuta pesada do diretor Charles Vidor.

"The Joker is Wild" foi traduzido por aqui, não literalmente, como "Chorei por você". O filme é especial por contar a trajetória de vida e profissional do astro Joe E. Lewis, e para mostrar que titio Frank não era somente "The voice" ou "The old blue eyes". Tinha talento interpretativo.

Não é um filme fácil de ver, já que foi rodado em 1957 e só existe em preto e branco, mas é um baita filme, com roteiro muito bem encaixado, diálogos maravilhosos e de humor mórbido. A cena final ficou gravada na minha memória desde a primeira vez que assisti ao filme, no fim dos anos 60: o dialogo de Joe com sua imagem na vidraça, com uma mensagem atemporal: "you make others laugh. make yourself laugh (você faz os outros rirem. faça você mesmo rir)"

E mais: a eterna e imortalizada pelo Frank "All the way", que deve figurar na playlist de todos os que gostam de música, foi lançada concomitantemente ao filme e, óbvio, recebeu Óscar de canção original.

Mas atenção: é filme para tannat com vários cubos de gorgonzola.

MARCADO PELA SARJETA

Anna Maria Pierangeli, ou só Pier Angeli para nós íntimos, teve uma vida atribulada. Muito parecida, cheia de coincidências com a outra baixinha contemporânea Natalie Wood. Ambas lutaram a vida inteira contra seus próprios demônios e foram mortas, ainda jovens, por eles. Também tiveram um rolo com Kirk Douglas, que não deu certo, depois um rolo com James Dean, que também não deu certo, e com este, por implicância de suas mães! Dean não agradava as sogras.

No caso de Dean, a mídia enlouqueceu. Fez comício, estendeu faixa, colou decalque, afinal, eram dois jovenzinhos endiabrados e em ascensão. Mas foi um namorico que durou só 3 meses, durante a filmagem de "O cálice sagrado". No final do mesmo ano nossa heroína já estava casada com Vic Damone. Dean caiu de quatro por ela. Tanto que foi flagrado chorando na entrada da igreja quando ela casou, e a vida dele que já era um anzol, entortou de vez. O casalzinho estaria junto no oscarizado "Marcado pela sarjeta" (1956), porém, Dean resolveu morrer alguns meses antes e o papel possibilitou a estreia de Paul Newman como protagonista.

Na biografia "Pier Angeli, a fragile life" dizem que há uma carta que revela se foi ou não acidental a overdose que a matou com 39 aninhos. De qualquer forma, seu último filme "Octaman" é tão horroroso e deprimente; tão ridículo e deve ter feito um buraco enorme na auto estima dela que não sei não... Ela morreu em setembro e o filme estreou em novembro de 1971.

O filme "Marcado pela sarjeta" é a biografia de Lucca Rocco Barbella, um marginal ítalo-americano, desajustado, antissocial, expulso com desonra do exército e preso, que, não tendo o que fazer para sobreviver e sustentar sua esposa, foi fazer o que fez a vida toda: dar socos, então profissionalmente, ainda que sem aceitar as disciplinas da carreira. E torna-se a lenda do boxe conhecida como Rocky Grazziano. Pier Angeli é Norma Unger, a esposa doce, guerreira e única ponte entre Rocky e a civilização.

Consta que Norma e Rocky tiveram uma vida harmônica, dedicada e fiel um ao outro, até que a morte os separou, como reza na cartilha do padre.

"Marcado..." foi a estreia de Steve McQueen e a catapulta da carreira de Paul Newmann.

BUTCH CASSIDY AND SUNDANCE KID

Um elenco que conta com Robert Redford, Paul Newmann e Katharine Ross do lado da turma da zona norte, fica difícil não torcer para os bandidos.

Quem assistiu "Butch Cassidy and Sundance Kid", com os bonitões citados, e aquela mimosa com olhões pedintes de cachorrinho basset, que protagoniza a cena antológica sentada no guidão da bicicleta, enquanto pingos de chuva caíam na cabeça, não se contenta em apenas torcer. É capaz de criar torcida organizada.

É um filme maravilhoso de 1969, justamente premiado, com atuação monstro dos dois galãs, e uma aula de lealdade entre amigos.

É uma obra baseada em fatos reais. Robert LeRoy Parker, o "Butch" é o nome verdadeiro e apelido do líder da quadrilha "Bando do buraco na parede", que viveu entre 1866 e 1908 e é revivido por Newman. Harry Alonzo Longabaugh é "Sundance", um ano mais novo, revivido por Redford. Etta Place é mulher de Sundance e foi desaparecer um ano depois da dupla..

São personagens da história americana. Bandidos, assaltantes de banco e trens, que fugiram para a América do Sul e acabaram morrendo na Bolivia, sob uma chuva de balas de metralhadoras. Eta morre no Chile. Mas essa é só a versão oficial. Pode não ter sido bem assim. Todo mundo sabe que história é briga de versões.

B. J. Thomas gravou "Raindrops Keep Fallin' on My Head" com laringite, por isso a voz meio rouca na versão oscarizada do filme. Os compositores Hal David e Burt Bacharach também arrebanharam Oscar pela trilha sonora por inteiro. É uma viagem aos inquietos anos 70.

AUDREY KATHLEEN RUSTON

 

Tributo a uma deusa

Do livro "Assim como era no princípio" 

Todos anseiam em ficar ou manterem-se ricos. É um desejo justo, e caso os meios utilizados estejam dentro de parâmetros socialmente aceitos e legais, tanto melhor.

Com Holly não era diferente. Sonhava com uma vida confortável: peles, jóias... Iguais as que não cansava de namorar na vitrine da Tiffany’s. Mas Holly não olhava somente a vitrine. Reparava atentamente em quem entrava e saia, principalmente homens, afinal, era a matéria bruta em que utilizava suas ferramentas e lapidava o status que buscava.

Na falta de outras valências competitivas para o mercado, Holly resolveu usar o que Deus lhe dera em abundância: a beleza, e assim se foi à luta catando novos horizontes, operando a profissão feminina mais antiga do mundo: a difícil vida fácil de ganhar a vida deitada.

Holly era uma prostituta, mas se no seu lugar estivesse uma Eckberg, Brigitte ou Marilyn seria moleza. Haveria de ser “tiro dado e o bugio deitado” ou “a cada enxadada uma minhoca”, por ser mais pertinente.  Mas Holly era uma Audrey; um delicadíssimo biscuit, quando muito parecia ser uma graciosa gueixa cosmopolita, com jeitinho de aluna interna do colégio das Irmãs, recém chegada do Plano Alto.

 No filme Breakfastat Tiffany (o título, muito mais adequado, chegou até nós como Bonequinha de Luxo), Audrey Hepburn adota uma visão celestial, sublimada pelos Givenchy feitos com exclusividade para ela. A trilha “Moon River”, composta por Henry Mancini e rabiscos de Johnny Mercer, que leva o Oscar de melhor canção original, também foi feita especialmente para Audrey, que numa cena antológica do filme, ela que não cantava nada, canta para a posteridade sentada na janela, arranhando um violão. É um momento épico, que me ocupava as tardes e me tirava noites de sono. (“Aquilo” era namorada para casar e não ter filhos para não ter jamais de dividi-la).

Audrey era uma atriz apaixonante, e em Bonequinha de luxo potencializou-se de luz pela maternidade recente. Havia se tornado mãe três meses antes do início das filmagens. Fez par com  George Peppard, na trama, ocupando o papel do frustrado escritor e bem sucedido gigolô Paul Varjak. Aliás, este rapaz entra na história apenas para embatucar os sonhos de Holly, cujos objetivos eram: fisgar um homem rico e depois tornar-se atriz.  Mas enfim, a mocinha (ou seria bandida?) acabou descobrindo que “dentro de si também morava um coração”.

 Antes de Audrey, a atriz desejada para o papel foi Marilyn Monroe, que recusou porque a personagem era uma prostituta, imaginem. Depois convidaram a outra platinada e linda Kim Novak, que pelas mesmas razões da Marilyn também recusou o papel. Por fim, Audrey, que não tinha culpa no cartório aceitou, imortalizando a personagem. 

 No início de uma época de grandes transformações nos costumes (1961, ano do lançamento do filme), a Holly, da Audrey, estabeleceu um marco de estilo, charme e elegância, virtudes válidas em qualquer situação. Como a de sua fala na cena final, ao ler o bilhete em que leva um “pé” do noivo, que desmarca o casamento: "Uma moça não pode ler esse tipo de coisa sem seu batom”.  Dizem que o tal noivo seria brasileiro, mas eu não me lembro deste fato, portanto não fui eu.

Acho que vi Bonequinha de luxo pela primeira vez quando tinha treze anos, mais espinhas na cara do que vergonha e pilhas de sonhos inviáveis na cabeça. Tenho costume de rever clássicos, mas este há muito não revejo, porque no momento ando perdendo o sono com a senhorita Maria Violante Placido. (Ah, também não sabe quem é? Melhor).

 Pensei na Audrey porque dia desses um dos seus vestidinhos Givenchy foi arrematado pela bagatela de U$1,7 milhão! E por que quero apostar o meu sonho mais caro como o lance vencedor não foi oferecido por alguém do sexo feminino.  Por certo alguém mais viúvo do que eu, e digamos que com uma renda a prova de absurdos.

Que lhe dê como mortalha uma pinacoteca à altura do seu luxo, e que não lhe ocorra jamais cair em tentação de profanar um dos templos do charme da época de ouro do cinema, vestindo-o em desfile particular para algum “bofe”.

Audrey Kathleen Ruston não foi somente o rosto incrível das telas, muito menos a bonequinha frágil que às vezes parecia ser. Foi uma grande mulher. Quando menina, estudava balé na Inglaterra até iniciar a Segunda Guerra. Com medo dos bombardeios, a família mudou-se para a Holanda, que era neutra, mas o velho Adolf não deixaria por menos e invadiu também aquele país, levando os horrores e as privações temidas.   Mais tarde, Audrey, que chegou a alimentar-se de folhas de tulipa para sobreviver, envolveu-se com a Resistência. Participava de espetáculos clandestinos de balé para arrecadar fundos e levar mensagens secretas em suas sapatilhas. Em função dos traumas, anos depois, recusaria o papel de protagonista no filme sobre Anne Frank. 

Poliglota (falava fluentemente francês, italiano, inglês, neerlandês e espanhol) a partir de 1987 foi ser Embaixatriz da UNICEF em gratidão pelo auxilio que recebeu nos tempos da guerra.

 Minha querida, delicada, inesquecível e singular estrela mudou de constelação em 20 de janeiro de 93, com apenas 64 anos, deixando um vácuo chamado Singularidade, como ensina a Física, que é o coração do buraco negro.  Lá onde o tempo para e o espaço deixa de existir. Entrou em colapso gravitacional, deformando o espaço-tempo hollywoodiano, partindo cedo demais para o lugar conhecido como ponto de não-retorno.

  “Para ter lábios atraentes, diga palavras doces; para ter olhos belos, procure ver o lado bom das pessoas; para ter um corpo esguio, divida sua comida com os famintos; para ter cabelos bonitos, deixe uma criança passar seus dedos por eles pelo menos uma vez por dia; para ter boa postura, caminhe com a certeza de que nunca andará sozinho. Pessoas, muito mais que coisas, devem ser restauradas, revividas, resgatadas e redimidas. Lembre-se que, se alguma vez precisar de uma mão amiga, você a encontrará no final do seu braço. Ao ficarmos mais velhos, descobrimos porque temos duas mãos, uma para ajudar a nós mesmos, a outra para ajudar o próximo. A beleza de uma mulher não está nas roupas que ela veste, nem no corpo que ela carrega, ou na forma como penteia o cabelo. A beleza de uma mulher deve ser vista nos seus olhos, porque esta é a porta para seu coração, o lugar onde o amor reside”.  Audrey Hepburn

2 CORAÇÕES

Jorge Bacardi morreu em 2020. Era um dos diretores, herdeiro da grande indústria de rum caribenho Bacardi, expulsa de Cuba em 1959 pela revolução castrista.,

Jorge também teve, ao longo da vida, severa doença pulmonar, que recebeu uma sobrevida de 10 anos, graças ao transplante de pulmões. fator fundamental para que, ele e sua esposa Leslie, criassem a 𝐆𝐚𝐛𝐫𝐢𝐞𝐥 𝐇𝐨𝐮𝐬𝐞 𝐂𝐚𝐫𝐞, instituição da Flórida que abriga pessoas e familiares de transplantados.

Compondo o cenário, uma família de classe média, que luta para dar educação aos três filhos, tem em Christopher, o mais novo, um expoente social, sedento por vida e ainda poucas responsabilidades, cuja vida se cruza e se prolonga através de Jorge e mais outras 4 pessoas. Jorge é doente e precisa de Cris, que é doente e não sabe.

O filme. 𝟐 𝐂𝐨𝐫𝐚çõ𝐞𝐬 tinha tudo fazer sucesso. Uma história linda, narrada por um espírito jovem e puro, feita com pessoas e fotografias lindas; que sublima o sufixo 𝐃𝐀𝐃𝐄 em suas formas mais sensíveis (𝐇𝐮𝐦𝐚𝐧𝐢𝐝𝐚𝐝𝐞, 𝐟𝐫𝐚𝐭𝐞𝐫𝐧𝐢𝐝𝐚𝐝𝐞, 𝐥𝐞𝐚𝐥𝐝𝐚𝐝𝐞, 𝐟𝐢𝐝𝐞𝐥𝐢𝐝𝐚𝐝𝐞, 𝐚𝐦𝐢𝐳𝐚𝐝𝐞, 𝐬𝐨𝐥𝐢𝐝𝐚𝐫𝐢𝐞𝐝𝐚𝐝𝐞) peca na execução. Um roteiro confuso, com cortes atrapalhados e uma levada de 60% do filme modorrenta e meio piegas, que deslustram um pouco a grande emoção proposta para o final.

A obra vale pela história intrínseca baseada em fatos reais, pela mensagem linda e solidária concretizada pela instituição criada, e porque, enfim, rende algumas fungadas.

A FAMÍLIA

 

Roberto De Niro fica bem em qualquer papel, mas como mafioso é insuperável.

Dizem que uma vez membro de alguma 𝒇𝒂𝒎𝒊𝒈𝒍𝒊𝒂, sempre 𝒇𝒂𝒎𝒊𝒈𝒍𝒊𝒂.. Não existe ex-mafioso, a comunidade não deixa, produz um defunto e chora no velório. Fred Blake (De Niro) fez o que fizemos por aqui com a Lava Jato: delação premiada, e ele entrou para o programa de proteção à testemunha. Em função disso, foi abrigar-se nos fundões da França com a mulher e os filhos,

Mesmo rodeado dos inóspitos franceses, eles conseguiram, de início, levar as coisas na boa. Porém, contrariedades trazem gosto de sangue para quem resolve as coisas da forma como resolvem os mafiosos e seus anexos consanguíneos. Concomitantemente, suas antigas relações das trevas sociais os localizam e aí o bicho pega. E passam a dar trabalho também para o agente do FBI Stansfield (Tommy Lee Jones) responsável pela condicional.

Maggie Blake, a matriarca mafiosa é ELA, sobre quem não estou falando nada, porque resolvi dar um descanso aos adjetivos. Porém, cada vez que ela interpreta uma vilã, me faz torcer ardentemente para o mal.

"A Família" é um bom filme para um sábado qualquer. Uma sátira inteligente, humor acidíssimo e cheio de ações e reações

GILDA

Hollywoodianos costumavam definir a senhorita Margarita Carmen Cansino, que atormentava os nossos sonhos sendo Rita Hayworth, como a atriz mais bonita da fase de ouro do cinema. Por mim, ela e outras do mesmo naipe estavam acima dessas medidas triviais. Enfim... Plástica e talento à parte, Rita era também dançarina de flamenco, o que por si só já provoca um tipo selvagem de sedução.

"Gilda", de 1946,dirigido por Charles Vidor, um dos tantos em que a diva tortura Glenn Ford, é icônico. Rita está tão "mortal" nesse filme que teve o nome de sua personagem colocado em uma bomba atômica, dado por cientistas americanos no Atol de Bikini, na famigerada e catastrófica Operação Crossroads. Gilda é um clássico que sempre vale a pena rever, seja pela interpretação da diva, seja para ficar com pena do Glenn. E para render-se à verdade brutal do quanto a beleza pode produzir dor. Dói à proporção de nossa impossibilidade de possuí-la.

Rita tinha um rosto perfeito. Olhos fatais, por vezes fora de eixo, que produziam um olharzinho meio São Leopoldo - Novo Hamburgo. "A maioria dos homens se apaixona por Gilda, mas acorda comigo". Disse ela, cinco casamentos depois!

O vídeo, com "Can't take my eyes of you" (não consigo tirar meus olhos de você - óbvio), uma trilha dançante, mostra momentos em que o Verbo se faz carne e enfeitiça, e a inércia se vulcaniza, Quem nunca abriu ou fechou um baile resmungando "I love you, baby..."?

Até Michelle sabe que "nunca houve uma mulher como Gilda"...

AS BRUXAS DE EASTWICK

Nunca deixe uma mulher entediada. É uma regra que todo homem deve aprender. Quanto a praticar... Caso não queira se incomodar, não só pratique como esteja sempre em constante aprendizado. Ou vai perceber, mais cedo ou mais tarde, que a oficina do diabo é jardim de infância.

Agora imagem três mulheres lindas, ou melhor, lindíssimas, porém solitárias, carentes e entediadas, morando em uma cidade pouco maior que a Barra do Quaraí, cujas alternativas disponíveis eram jogar cartas e conversa fora. A pauta dos assuntos, via de regra, era o sexo masculino.

Às falas tantas de uma noite daquelas, resolveram idealizar o seu próprio Frankenstein, ou seja, imaginaram um homem ideal, que atendesse a todos os seus anseios. Pra quê! Alguém, em algum canto obscuro estava atento e pronto para o delivery. Pediu levou, mas não exatamente o encomendado. Há que se ter muito cuidado com esses pedidos no escuro. A "encomenda", apesar da embalagem perfeita, era o próprio anjo caído que desceu (ou subiu) para atazanar a vida das lindas. O "bagacera" passou o rodo geral, mas entre o prazer e a queixa... "A gente se queixa depois", devem ter pensado elas. E dê-lhe "quatrisal".

"Quem é você?", pergunta Alexandra. "Eu sou quem você quiser que eu seja", responde o lasqueado, que atendia pelo nome de Daryl Von Horne. (Horne? E as gurias nem desconfiaram!).

Em uma cidade pequena, maus comportamentos vão direto para a boca do sapo, e as gurias ficaram muito mal faladas. O prazer, quando custoso, também se esgota, então, resolveram devolver a entidade às trevas. Bora para o vodu, se não resolver, pólvora resolve. Devem ter devolvido, mas aqui ó, que ele iria embora sem deixar as digitais. Ficaram três lindos bebês para resolver as próximas noites de tédio.

"As Bruxas de Eastwick" é um filme maravilhoso, que vale a pena rever, até para nos lembrarmos de ter cuidado com o que desejamos. Um elenco bárbaro: Jack Nicholson, Cher, Suzan Sarandon e ELA. Diálogos inteligentes e roteiraço.

AMARGO REGRESSO

Jon Voight é, ou foi, um grande ator. Mas em determinado momento foi ofuscado pelo bocão-peitão-olhão da filha, e parece ter se contentado em apenas ser rico.

Sempre que penso em falar sobre "O amargo regresso" eu me desencorajo. Dos roteiristas da trama, às atuações de luxo, de Voight e da eterna Jane "Barbarella" Fonda. Jane foi a grande influenciadora, tendo bancado parte do filme, por tratar-se de uma demanda afeita aos seus interesses. "Hanoi" Jane, como foi apelidada pelo americanismo fundamentalista, era uma ativista pela paz, e à época estava casada com Tom Hayden, um político democrata antiguerra e brigador pelos direitos civis.

E também dá para falar só sobre a trilha sonora, mas aí precisaria dois dias de texto. Pela seleção de peso: Beatles, Rolling Stones, Bufallo Springfield, Jeferson Airplane, Bob Dylan, Jimmy Hendryx , Aretha Franklin e outros, a produção deixa clara o seu pensamento sobre a guerra do Vietnam, e o quanto a vida é linda quando se canta "Help" and "Ticket to Ride", "Oh, Lady Jane" and "Yesterday", e, súbito, passa a ouvir a mesma nota Ratá-tá-tá/ tá-tá... Ratá-tá-tá/ tá-tá. Então... Caso você seja veterano da guerra da vida, pode morder os beiços trêmulos por dois motivos: vendo o filme ou apenas ouvindo a majestosa trilha.

Luke (Jon) é um sargento que em 68 volta do Vietnã, paraplégico. No hospital conhece a enfermeira Sally (Jane), por quem se apaixona, é correspondido e passam a viver bons momentos juntos. Porém, Sally é casada com o oficial Bob (Bruce Dern), do exército americano , que permanece no campo de batalha levando um "couro" dos vietcongues.

Quando Bob volta para casa, muito a fim de assumir sua posição civil, vê-se enfiado em outra guerra, tendo Sally na linha de tiro.

É um filme cruel, porque de alguma forma mostra os agrupamentos humanos divididos em quem somos e o que poderíamos ser.

Vale muito a pena ver. Ou apenas ouvir.

ASSIM CAMINHA A HUMANIDADE

“As pessoas me dizem: 'ela tem tudo!'. Eu respondo: 'eu não tenho o amanhã.” Elizabeth Taylor

"Ter ou não ter, eis a questão", também poderia ter reflexionado Hamlet. Sim, Liz teve tudo. Uma beleza extraordinária, uma carreira invejável, todos os maridos que quis ter, inclusive o mesmo duas vezes. e diamantes, muitos diamantes. E foi feliz e solidária em seus últimos anos. Quanto ao amanhã que dizia não ter, apenas o verbo é outro, é o do Hamlet. Mitos sempre "serão" o amanhã.

"Assim Caminha a Humanidade" é o filme. Liz divide a cena do Texas com Rock Hudson e o meteórico James Dean, em sua última aparição em tela. Morreu antes de ver o filme concluído.

Tudo gira em torno de uma família texana, comandada por Bick (Hudson), de um humilde lindeiro e serviçal Jett (Dean), e da esposa Leslie (Taylor). A história é fantástica, recheada de sentimentos adversos de amor e ódio. Preconceitos tratados de forma real e crua, com fotografia, figurino e uma baita trilha sonora. Jett, além de todos os homens que apreciam cerveja, apaixona-se pela Leslie, mas ao contrario de mim, que me contentava em olhar, partiu para a ignorância. Não levou.

Acabou herdando um pedaço de terra da falecida e venenosa irmã de Bick e enriqueceu explorando petróleo. E em se tornando rico, houve por bem novamente tentar furar os olhos do marido afortunado. De novo não levou. Então, ele que já “bebia todas”, foi domiciliar-se em definitivo na garrafa.

Nesse filme o olhar da Liz estava uma estupidez. Talvez porque o início da produção tenha ocorrido pouco depois dela ter se tornado mãe pela primeira vez e a maternidade tenha conseguido dar ainda mais luminosidade à luz; o céu tenha perdido para sempre as nuvens, e Atlântico e Pacífico tenham se dessalinizado e sublimado nas tonalidades de azul, violeta e verde. E que me perdoe a finada pelas modestíssimas comparações.

Assim caminha a humanidade, com passo de formiga e sem vontade, como diz o outro.

𝑺𝑯𝑨𝑹𝑷𝑬𝑹 - 𝑼𝑴𝑨 𝑽𝑰𝑫𝑨 𝑫𝑬 𝑻𝑹𝑨𝑷𝑨Ç𝑨𝑺

 
Há uma sentença atribuída a Edgar Allan Poe que é a seguinte: 𝙉ã𝙤 𝙖𝙘𝙧𝙚𝙙𝙞𝙩𝙚 𝙚𝙢 𝙣𝙖𝙙𝙖 𝙙𝙤 𝙦𝙪𝙚 𝙫𝙤𝙘ê 𝙤𝙪𝙫𝙚 𝙚 𝙚𝙢 𝙢𝙚𝙩𝙖𝙙𝙚 𝙙𝙤 𝙦𝙪𝙚 𝙫𝙤𝙘ê 𝙫ê. Pois "Sharper..." dá sentido a essa frase. O filme traz a maravilhosa Julianne Moore no comando da matilha, o romeno Sebastian Stan em um papel desenhado para ele, acompanhados por uma periferia competente.

O título meio que sugere uma comédia, mas não é. É um roteiro tenso, muito bem amarrado, que vence as dificuldades de transição de vida dos personagens com quadros biográficos. Há mistérios e viradas do início ao fim. Inicia com um prelúdio fofo/social entre o pobre e a mais pobre, mas não é nada disso, ou não é bem isso, ou, sei lá, talvez seja. Ou não, como diria o Caetano.

As mensagens nada subliminares do filme nos dizem em primeiro lugar, e a mais velha delas, que não há crime perfeito; que segredos que envolvem posses, sejam elas materiais, sejam afetivas, não se sustentam, porque acabando cedendo à ambição pelo controle. E que cachorro comedor de ovelha., só matando, como se diz nas casas.

Enfim, não há como falar muito sobre esse filme sem deixar rastros que acabariam estragando as surpresas que são muitas. Portanto, me reservo a apenas indicá-lo.

O filme é novo e bom. 

O PODEROSO CHEFÃO

 

Francis Ford Coppola era um novato quando assumiu a bronca de levar à tela o livro de Mario Puzzo. Novato e com algumas convicções que contrariavam os produtores, tipo: não queriam saber do encrenqueiro Marlon Brando (que imortalizou Don Vito Corleone), muito menos do desconhecido Al Pacino, o filho que substituiria o pai no comando da família. Testaram muita gente, mas acabou prevalecendo a vontade do diretor e o resultado foi o que todo mundo viu.

Já Coppola não queria que a trilogia fosse chamada de trilogia, Para ele eram dois filmes lincados, e mais um para encerrar. Mas nessa ele perdeu e "O Poderoso Chefão" tornou-se a maior trilogia da história, para ser guardada na memória eterna de quem gosta de cinema. Arrebanhou prêmios e mais prêmios, inclusive o de melhor ator para Marlon que, por não gostar de Hollywood, esnobou a estatueta.

A coisa se resolveria nos dois primeiros, mas ainda que o terceiro não tenha o apelo mafioso e tenso dos outros é também muito bem feito.

Há muito o que falar sobre a trilogia. Curiosidades, cenas e frases antológicas. São quase nove horas de filme somando tudo, ou seja, três garrafas de vinho e meio quilo de pipoca.

A trilha sonora também premiada, contou com a assinatura do pai do Francis, o maestro Carmine Coppola, junto com Nino Rota. De todas as músicas que enfeitam os filmes, a melhor delas, na minha visão, é essa do Rota: "Speak softly, love". Linda, comovente e um pouco dolorida, na voz inesquecível do Andy Williams. Essa música é a cara do filme

A SOMBRA DE UM GIGANTE

David Daniel “Mickey Marcus” foi o que se pode chamar de herói de duas pátrias. Americano pobre de origem judia, por sua inteligência superior e coragem, foi um dos gênios militares americanos que definiu estratégias fundamentais para a vitória dos aliados na Segunda Guerra. Depois disso, também tornou-se herói judeu, quando voluntariamente, e contra a vontade de seus superiores e de sua família, dedicou-se a libertar o povo de seus pais durante a guerra árabe/israelita. Desafortunadamente, foi morto por engano pelo fogo amigo aos 47 anos. Ben-Gurion assim definiu o "gigante": "Ele era o melhor homem que tínhamos".

Em sua lápide em West Point diz: " David Marcus - um soldado para toda a humanidade".

A biografia do coronel Mickey Marcus é algo de extraordinário, como extraordinário foi o filme realizado em 1966, dirigido por Melville Shavelson, que conta um pouco de sua passagem, e que recebeu o título à altura do seu mote: “A SOMBRA DE UM GIGANTE”.

O filme conta com Kirk Douglas, Frank Sinatra, Yul Brynner, o machão John Wayne (que na vida real tinha o nome de Marion, imaginem!), a charmosa Angie Dickinson e a maravilhosa, divina, dona de uma das bocas mais sensuais de Hollywood, a austríaca Senta Berger. Ao conhecer a ativista Magda (Berger), o coronel percebeu que é mais fácil enfrentar bombas e ogivas, uma vez que isso depende de um cérebro treinado para desenvolver estratégias e táticas militares. Já quando depende do coração...

Imperdível! Vejam e o filme e procurem a biografia de “Michael Stone” (nome camuflado do Marcus quando chegou a Palestina em 1948)